ALBERT BONET (1996) / ASÍ APARECEN

Es extraña, patética y dramática, esa combinación metafísica de dos entes heterogéneos -ser humano y mundo- obligados a unificarse. 

Como son patéticos e inmisericordes estos retratos del joven catalán BONET, que ponen de manifiesto una visión transfigurada de lo que somos y de como acabaremos. 

Dentro de un cromatismo acorde con su insania plástica y su concepción dibujística, tiene lugar lo visivo de unos rostros maculados que han perdido la fe en sí mismos y en su destino. 

Vemos una figura algo despatarrada de una mujer enana, con cara de mono y con una larga barba.

(Gutiérrez Solana)

LAURA OWENS (1970) / AL ARTE VOY SINTIENDO

Conforme a ciertos patrones estéticos, el sentimiento sin la imagen es ciego y la imagen sin el sentimiento está vacía. Se supone, por consiguiente, que ambos son compañeros entrañables y viven en armonía. 

La americana OWENS no es de sentimientos sino de vértigos esploratorios, de dar pasos al frente y a la búsqueda de hacer con materiales híbridos nuevas visiones. 

Lo estético y visual está por encima de cualquier otro orden gravitatorio, la espontaneidad es la base de su creatividad, la expansión su modo de hacer una obra con el dinamismo cromático de cada acontecimiento.   

Luego, a las primeras horas de la tarde, empezaba un baile muy concurrido de romeros a lo alto, a lo bajo y a lo ligero, acompañado por el tamboril y el pandero.   

(Gutiérrez Solana)

                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                         

EL QUE ESTÉ LIBRE DE ERRORES QUE TIRE LA ÚLTIMA PIEDRA

 No olviden que en el arte hay dolor, sufrimiento y aflicción.

     

   Asco de la tierra y asco

de nosotros mismos,

es el pago de tener conciencia,...

(Jesús Ferrero)

PATXI XABIER LEZAMA (1967) / ¿PODRÁN PERDONARME LOS DIOSES?

Los dioses pueden aglutinar dimensiones opuestas, tanto de energía y de paz, como de intensidad y apariencia, de movimiento e inmovilidad.

Las esculturas del vasco LEZAMA les rinde un homenaje hasta cierto punto persuasivo en sus amenazas, no idealizado ni celeste, sino en toda su densidad y brutalidad simbólica.  

Su visión constituye una retrospectiva del mito, un relato de lo que tuvo enormes y sublimes proporciones, de presencias materializadas en su ancestral espíritu.  

¡Que los dioses me perdonen la ignominia 

de no haber nacido!

(Jesús Ferrero)

 

HANS LEMMEN (1959) / SON MIS TESTIGOS

El universo del holandés LEMMEN tiene una población extraña que él saca a la luz en contra de su voluntad. Sus dibujos son la expresión de unos seres tan terriblemente fantásticos como mitológicos. 

También es cierto que los retratata en un cosmos árido, que no tiene una filiación concreta y que posa tan desnudo como quienes lo habitan.  

Estas obras son producto de un secreto que al mismo tiempo que manifiesta y visualiza un imaginario, oculta otro que subyace en una dimensión que paulatinamente se hará enconadamente visible.   

Las gentes que hurgan los museos

me revelan mi orfandad presente.

(Jesús Ferrero)

JITISH KALLAT (1974) / NUNCA PODRÉ ABARCARLO TODO

El indio KALLAT hace uso de todo su conocimiento e indagación para dar pié a una obra que quiere tomar todos los aspectos estéticos y más profundos de una realidad con el fin de hacerlos accesibles.  

Por lo tanto sus registros son múltiples y en cada uno de ellos se inscribe e identifica un imaginario en el que lo plástico se hace ver como una revelación.

Por lo cual toda su producción está compaginada y creada sobre una base material que ya le proporciona indicios por donde ha de discurrir la encarnación de unos significados que son su culminación.

En ti la sed es sed de límites,

¿en ti el deseo exige nitidez?

 (Jesús Ferrero) 

 

KASTRO (1973) / NO HAY AUSENCIAS

La abstracción invita y seduce a la mirada a la interrelación de múltipleas aspectos plásticos contenidos en el marco de una realidad transformadora e incitante. 

La obra del madrileño KASTRO se encarna en ese sentido, en el que la materia pictórica plasma declinaciones que son pura espontaneidad calculada.  

Y así los valores cromáticos hallan lo ígneo y navegan mediante unas texturas que se agitan y explosionan como ánimos encendidos en el interior de su existencia.  

Nunca morirán esos caballeros

de altiva silueta roja.

(Jesús Ferrero)

ANA LLESTÍN / SE HAN IDO HACIA LA NUBE

Toda práctica se explica por sí misma y el valor de la teoría se convierte entonces en el valor que la práctica es capaz de generar y también el de crear un mundo para ella misma y para su reconocimiento. 

Esa es la forma de operar de la castellonense LLESTÍN al plasmar un símbolo mujer envuelto entre las nebulosas de un espacio que está incardinado entre el sueño y la vivencia.   

Su pintura se desenvuelve entre un sedoso y leve cromatismo que quiere penetrar en unos silencios plásticos que revelan la sinfonía de su acontecer y deslumbramiento.  

    Unútilmente ardías

en la noche tranviaria.

(Jesús Ferrero)

ADOLFO ALCAIDE (1954) / VIVO EN LO ABSTRACTO

Si queremos comprender una obra de arte nuestra atención debe concentrarse precisamente en el descubrimiento inagotable del número considerable de puntos de vista que proporciona.  

En lo referente a la del madrileño ALCAIDE, es la relativa a la vertiginosidad cromática con la que hace florecer la superficie, hasta que en su dinamismo e ímpetu quepan todos los llamamientos a un escudriñamiento visual. 

Todos los trazos y rasgos constituyen una cosmovisión plástica que quisiera perderse en un infinito plagado de esos núcleos que viven en un espacio constantemente en renovación.  

La vida únicamente merece ser vivida por las delicias que florecen sobre sus ruinas.

(Cioran)

BEATRIZ ZEROLO (1975) / TODO SE ENCIERRA EN LA URNA

Abel Salazar decía que la obra de arte posee una lógica propia y específica que desconocemos, como tan propios y específicos son  sus procesos psicológicos de construcción.

La madrileña ZEROLO ha sentido que su mundo creador reside en una identidad formada por una masa cromática de amplia gama que se adhiere como pensamientos y sentimientos a una superficie herida.  

Sus obras escarban y se vierten como cenizas, buscan tanto el resplandor como la oscuridad, viven en la tensión de que el cuchillo las desgarre más y les extraiga su sangre. 

La vida del hombre se reduce a los ojos. No podemos esperar nada de él sin modificar la mirada.

(Cioran)

DAWIT ABEBE (1978) / UNA HUMANIDAD SIN CERTEZAS

Ya no se discute que el arte presenta una variedad de lenguajes que responden a una pluralidad de maneras de ver y construir el mundo simbólicamente.

En el caso del etíope ABEBE su obra es un planteamiento en que el ser humano es un titán desnudo consciente de su propia debilidad y frágil historia, pero también de su rabia e indefensión.  

Su figuración, basada en una fuerte definición gráfica, es la configuradora de unas escenas en las que la reflexión plástica va acompañada de una visión que retrata una historia y el destino de una humanidad muy localizada. 

¿Descifraremos la enervante demencia de la carne y la calamidad de una sangre turbia?

(Cioran)

LY HUNG ANH (1975) / SERES EXTENUADOS

Como dice Carrasco Barranco, es, a través de nuestro correcto encuentro con las obras de arte (en tanto que objetos de interpretación y apreciación enmarcados en prácticas artísticas), en la experiencia de sus formas, cualidades y significados, como cosechamos los beneficios del arte.

En la obra de la vietnamita HUNG lo superficial es el trasfondo de una pintura que tiene como objeto una humanidad sin tiempo para ser ella misma, necesitando una visibilidad que la trascienda y la saque de su desconcierto.

Los seres extenuados por su propia presencia, sienten muy intensamente el deseo de morir.

(Cioran)