AL BORDE DEL TIEMPO

¡Qué difícil es concebir el presente como como la construcción de un futuro mejor! ¿No sería mejor apostarlo todo a una violencia vital de nuestra facultad más expresiva? 

De que esas fuerzas sean apabullantes y al mismo tiempo nada depende la posibilidad de la mirada, la posibilidad de medir el espacio, la posibilidad de percibir la enormidad como una coz en el pecho y la posibilidad incluso de extraer una moraleja.

(Santiago Alba)

KAARI UPSON (1972-2021) / ¿QUIÉN PUEDE SABER LO QUE ESCONDE UNA OBRA?

La pregunta es si no somos más que formas vagas de la materia o si es que nuestros cuerpos no son más que símbolos borrosos de sí mismos que solamente sirven para quemarse.  

La americana UPSON se lo preguntaba y cuando se respomdía ideaba estas instalaciones y esculturas que son aciagos presentimientos de vidas frustradas y acabadas. 

Pero sin olvidar que en sus obras el sentido de su construcción no puede descodificarse fácilmente o en ningún caso, pues se reserva claves imposibles de desentrañar. 

El problema es que lo horrible gobierna hoy la mayor parte de nuestro mundo donde no gobierna la fantasía.

 (Santiago Alba)

PAWEL ALTHAMER (1967) / SE SIENTE COMPASIÓN POR LOS CONOCIDOS

Una figuración móvil que hace del espacio un escenario en el que representa una historia oscura y triste, un dolor patético de referencias medievales. 

El polaco ALTHAMER ve el mundo como desgarramiento y tal que cuerpos deshilachados que simulan estar vivos pero que ya son cadáveres momificados sin existencia.  

Sus escenas son puestas en acción que nos dejan con el pensamiento haciéndose mirada y con la mirada absorta en una realidad con una clave interesada en no ser descifrada,

 A veces una historia sólo puede ser explicada por otra...

(Santiago Alba)

SIMONE THEELEN (1963) / LA FLORESTA AMADA

La artista de los Países Bajos, THEELEN, desarrolla, en su actividad artística, unas correlaciones intuitivas entre la percepción, la memoria, el sentimiento y la imaginación. 

Y su clarividencia es la que la he permitido desentrañar la suntuosidad cromática avanzando más allá en su energía y dinamismo hasta lograr una plástica enriquecida de coloridos y significados. 

La concepción pictórica de la que hace gala tiene una sonoridad centelleante y su ecosistema nos transporta a visiones paradisíacas. 

Anexaría los planetas si pudiera; a menudo pienso en eso. Me pone triste verlos tan claros y sin embargo tan lejanos.

(Cecil Rhodes)

DESPERTAR INCA / FELIPE ALARCÓN ECHENIQUE

 La ya prolífica trayectoria artística del hispano-cubano FELIPE ALARCÓN abarca una perspectiva desde lo particular hasta lo universal, desde lo histórico hasta lo social, en un proyecto en que lo plástico formula sus propias significaciones estilísticas. 

Ha impuesto sus reglas para la ejecución de su producción a partir de su quehacer y a través de su personalidad, la manera de su técnica y el fin que en cada momento se propone.

Él, muy consciente de su identidad cultural colectiva, sabe que la historia arrastra al arte consigo, por lo que no duda en dar visibilidad a ese riesgo y culminarlo con la mayor solvencia.

Por eso, en esta obra, "Despertar inca", las connotaciones formales, expresivas, imaginativas y simbólicas se constituyen en una unidad que es el marco de un drama y un destino.

En la amplitud de sus valores cromáticos, sus tonalidades, los diferentes planos y yuxtaposiciones, y la figuración, el espectáculo queda bañado por una luz que da a pie a la encarnación íntima de unos significados volcados en la recuperación de la memoria, la singularidad, lo ancestral, lo indígena, la herencia hispánica y la influencia latinoamericana.

Una cosmovisión que nos ofrece tanto una experiencia estética como una reflexión en que velos y veladuras se desvelan y no dejan que haya un trasfondo oculto ni una transfiguración en la que el arte siempre es una danza del cuerpo al hacerse medida y ritmo.

En resumen, es una visión reveladora y devoradora que se ha apropiado ardientemente del ser de la cosas, tal como diría Merleau-Ponty.

      

ROICE 183 (1983) / EL GRAFITI SACA A RELUCIR LA DIMENSIÓN DEL COLOR

Lo posible, en su continuo movimiento, tiende a actuar y a obrar infinitamente en lo real y es una dimensión de lo real. O también es lo real lo que se hace posible y no lo posible lo que se hace real.  

El levantino ROCE 183 hace que sus vertidos cromáticos asimétricos tripliquen la superficie, la hagan más elocuente y se configuren como los parámetros plásticos de unos horizontes cercanos. 

Sus sintonías formales construyen una significación visual que suscita una visión futurista en que el dinamismo es un eje que vertebra al mismo tiempo que permuta.

 Mirar y no ser mirado o mirar sin ser visto.

HUGO SIMBERG (1873-1917) / LA MUERTE ESTÁ TAN CERCA QUE NI SE OCULTA

La subjetividad es infinita y es ella la que se enfrenta sin arredrarse a una verdad desnuda y gélida del arte, aunque haya sido desvelada ya. 

El filandés SIMBERG, en su obra, muestra un espíritu de muerte que le sobrevuela, que le incita a revelar el destino que tan joven le espera.  

En su pintura no aparecen dudas porque son sus espectros habituales los que aparecen, con los que dialoga y crea su historia, la suya, que ya está aconteciendo.  

 No hay proa que taje una nube de ideas.

(Martí)