OSCAR MARTÍN DE BURGOS (1972) / VIDA Y SÍMBOLOS

El esultor MARTÍN DE BURGOS es un pensador de la cultura convencido que de que ésta promueve, como forma artística, una unidad íntima y sin restricciones entre los ciudadanos a partir de su más profunda subjetividad.  

Así, sus obras proyectan un cúmulo de significados y expresivos símbolos, conformados bajo una constelación sucinta de formas compactas que nos remiten a interrogantes, que se remontan a nuestra historia más espiritual y remota.   

Hay génesis y vasta enormidad, concepciones sagradas y conductoras hacia unos territorios de encuentros y silencios, de presentimientos que quedan esculpidos para siempre. 

Es curioso que en cuanto adviertes que los seres son sombras, que todo es inútil, te alejas del mundo para encontrar el único sentido en la conteplación de la nada...

(Cioran)

NURIA VIDAL (1967) / SÉ CONFESARME A TRAVÉS DE MIS PIEZAS

Al contrario que la madrileña VIDAL, el sujeto de lo sublime está consecuentemente descentrado -aunque algo de eso hay también en ella- anegado en la pérdida y el dolor, en la crisis y en desvanecimiento de la realidad. 

Lo que ocurre es que en la obra de esta artista hay un apaciguamiento depurador, un revestimiento cada vez más tenue y al mismo tiempo más deslumbrador.  

Sabe despojar mágicamente, proyectar lo que su espíritu ha escondido, desolcultar en esas superficies etéreas una armonía seductora, desveladora de una añoranza que habla y emociona.    

La timidez es el arma que nos ofrece la naturaleza para defender nuestra soledad.

Morimos y vivimos en un místico noviazgo con la soledad.

(Cioran)

AARON LEVY (1899-1972) / UNA ABSTRACCIÓN SIN CONGOJAS

Sólo en lo estético somos capaces de volver sobre nosotros mismos y retirarnos en alguna medida del lugar que ocupamos y empezar la relación que hay entre nuestra facultades y la realidad.  

Como muchos artistas abstractos de su generación, el americano LEVY confiere ese retorno a su íntima realidad a través de una obra que en lo espontáneo e intuitivo adquiere toda su vivencia.

Las gamas cromáticas caminan en la superficie con toda la voluntad plástica del mundo, con la fuerza del destello y la poesía del sentir.

Incluso las muecas de la agonía no son sino intentos fallidos de reír, que revelan, sin embargo, su natutaleza equívoca.

(Cioran)

 

MARTHA MCKAY (1924-1983) / LOS PRESAGIOS ME DOMINAN

Hacer uso de la imaginación es cavilar sobre una determinada imagen, forma y color, que están suspendidas en algún lugar entre lo percibido y el concepto. 

De esta manera, la americana MCKAY concibe una obra en que la geometría se deja dominar por la estratificación plástica para alumbrar los segmentos que anidan en la superficie.

Y unas gamas cromáticas fuertemente texturizadas imprimen una factura abstracta y prolífica a unas piezas que sobre la desnudez muestran la geología de sus heridas. 

Ningún color aviva el instante eterno y sus horizontes muertos. Y las pasiones lanzan llamas frías sobre ojos apagados.

(Cioran)

RAFAEL MARTÍNEZ PRIMO (1959) / ROSTROS QUE VIVEN DE LA POESÍA

El valenciano MARTÍNEZ PRIMO se exige ser un artista virtuoso cuando se trata de tener la imaginación suficiente y la capacidad de dar un valor sentimental y emocional a las inmensas posibilidades -sin dejarse devorar por ellas- que le confieren su saber y entorno plásticos.

En sus obras, materiales, colores y formas, le impulsan a hallar nuevas soluciones que son al mismo tiempo símbolos y expresiones anidadas en lo más creativo de su concepción estética. 

Y así es como su pintura está cargada de sensibilidad, de poesía, de perfiles poéticos y cromáticos, de elucubraciones de lo pensado y lo intuido, lo evolutivo y lo desgranado tal que la visibilidad detonante de un presagio. 

Si no hubiera amado el dolor, no habría tenido necesidad del infierno, utopia del sufrimiento.

(Cioran)

CATARINA LUCAS (1997) / LA PINTURA ES UN CAMINO SIN FIN

A la abstracción se llegó porque se buscaba hacer un arte cada vez más personal y libre de los acondicionamientos externos -en la medida en que los artistas podían hacerlo- que imposibilitaban la expresión subjetiva. 

La portuguesa LUCAS trazó ese camino y estilo en su obra porque desnudarse en la superficie a través de las venas cromáticas y las texturas es leerse en toda su propia densidad emocional. 

En sus telas las gamas de color pronuncian todo aquello que plástica y creativamente ella tiene por las precupaciones de una descodificación sensorial, que fija la visión en su mismo lecho de vida. 

La voz de la sangre es una elegía ininterrumpida.

(Cioran).

SIMON EDMONDSON (1955) / EL POLVO NO REDIME

Heidegger manifestó que la obra de arte no aislaba a los hombres en su vivencia, sino que los incorporaba a la pertenencia de la verdad que acaece en la obra.

El inglés EDMONDSON, en su obra, muestra la idea plástica de síntesis, de una plástica que se queda casi ciega en los ojos de un mundo que empieza a no percibirse por su destrucción.  

Su cromatismo infunde un espíritu que duda entre lo que ve y no ve, entre lo que desea contemplar y no puede, entre lo que está viviendo y no está ocurriendo.

Sólo la idiotez, perfección de la no-espera, se sitúa fuera del tiempo y de la vida. 

SAüLO MERCADER (1944) / MI PINTURA ES TAL COMO SOY

El alicantino MERCADER configura su obra como una revisión de la naturaleza humana desde unas bases plásticas y visuales congregadas a  su alrededor.

Lo figurativo y empirista esta sujeto a una pulsión interior acorde con un juego dialéctico inacabable, en el que la expresión se dilata para proyectarse en la mente del receptor. 

Este choque de mentes se produce por la intimidación de una mirada y la agresividad de la otra, de tal modo que ninguna de las dos quedan indemnes.

El vacío interno te revela la indeterminación infinita como forma de expresión.

(Cioran)

 

PIM PALSGRAAF (1979) / FUI CLARO DESDE EL PRIMER MOMENTO

El holandés PALSGRAAF se ha gestado a sí mismo en el mundo exterior, en el que le rodea e impresiona por una degeneración en toda su pureza. 

Y así se ha propuesto crear a partir de la destrucción, pero no para hacerla impoluta, sino para que sea la significación y símbolo de una sociedad enfermiza, de un urbanismo efímero y abandonado.  

Él reconstruye su decadencia y ruina con el fin de que sus dimensiones representen el hecho cumplido de una renovación desde esos presupuestos, es decir, desde su condición artística.

El miedo a la muerte es un fruto enfermizo de la aurora del sufrimiento. 

(Cioran)

JOSÉ ANTONIO BERNARD (1977) / NUNCA SERÁN LOS MISMOS

La representación se realiza en base a los datos que la percepción y la memoria nos ofrecen, aunque cada día se reduce más a un mundo de calamidades que siguen en aumento.  

El manchego BERNARD ambienta pictóricamente el mundo de la adolescencia en esta serie, en la que con una sutilísima expresión, con un cromatismo ajustado, se plantea en ella lo que fue edad y ahora es tiempo. 

Casi podríamos decir que la imaginación y la realidad la ponen sus personajes, que se muestran a sí mismos con las incertidumbres que les asaltan en cada acción y momento. 

 Sólo existe nobleza en la melancolía.

(Cioran)

GUSTAVO NAZARENO (1994) / MI MIRADA ESTÁ ACOSTADA CON LO NEGRO

Dijo Goethe que no hay modo más seguro de esquivar el mundo, ni hay modo más seguro de enlazarse a él, que el arte.

Para el brasileño Nazareno, lo místico y lo simbólico iluminan una plástica que desprende una paz sedienta entre la soledad y el mito, entre una significación elocuente y un pensamiento obsesivo. 

Personajes de la carne del tiempo y de la naturaleza son dioses del Olimpo que se hacen presentes cromáticamente como una premonición ambigua, que no es terrenal sino fraguada con medios pictóricos.   

La vida y yo somos dos líneas paralelas que en se encuentran en la muerte.

(Cioran)

AMANDA WILLIAMS (1974) / LO QUE HAY EN LA SUPERFICIE NO ESTÁ SIMPLIFICADO

La americana WILLIAMS consagra a su obra a auscultar las capas pictóricas, a tratar de potenciarlas en su visibilidad y plasticidad. 

Los medios y recursos que utiliza son los que considera adecuados para llegar a sus fines, porque le prestan energía, vitalidad, pathos y significación. 

Es como si en esos umbrales tuviese lugar el gesto, el habla y la voz de una presencia que entabla con ella la penetración en el sustrato de avatares existenciales.  

La mirada humana se ha limitado a acentuar el pesar poético, cuya ausencia indica, en cada especie, la proximidad de sus orígenes.

ALLANA CLARKE (1987) / COLGADURAS FÚNEBRES

La obra de la trinitense CLARKE opera sobre la materia para impregnarse de una diferenciación e integración metafísica en la metamorfosis de unos cuerpos rasgados.

Este simbolismo geológico apela a la oscuridad que se desata cuando nos ignoramos visualmente, cuando no sabemos interrogar plásticamente a lo esencial orgánico y biológico. 

Cada pieza es un entramado que invoca a una naturaleza que está celebrando su propio funeral, su desolación por el abandono y el maltrato. 

Un ser en vías de espiritualización completa ya no es capaz de melancolía, porque no puede abandonarse a merced de los caprichos. 

(Cioran)