DESPERTAR INCA / FELIPE ALARCÓN ECHENIQUE

 La ya prolífica trayectoria artística del hispano-cubano FELIPE ALARCÓN abarca una perspectiva desde lo particular hasta lo universal, desde lo histórico hasta lo social, en un proyecto en que lo plástico formula sus propias significaciones estilísticas. 

Ha impuesto sus reglas para la ejecución de su producción a partir de su quehacer y a través de su personalidad, la manera de su técnica y el fin que en cada momento se propone.

Él, muy consciente de su identidad cultural colectiva, sabe que la historia arrastra al arte consigo, por lo que no duda en dar visibilidad a ese riesgo y culminarlo con la mayor solvencia.

Por eso, en esta obra, "Despertar inca", las connotaciones formales, expresivas, imaginativas y simbólicas se constituyen en una unidad que es el marco de un drama y un destino.

En la amplitud de sus valores cromáticos, sus tonalidades, los diferentes planos y yuxtaposiciones, y la figuración, el espectáculo queda bañado por una luz que da a pie a la encarnación íntima de unos significados volcados en la recuperación de la memoria, la singularidad, lo ancestral, lo indígena, la herencia hispánica y la influencia latinoamericana.

Una cosmovisión que nos ofrece tanto una experiencia estética como una reflexión en que velos y veladuras se desvelan y no dejan que haya un trasfondo oculto ni una transfiguración en la que el arte siempre es una danza del cuerpo al hacerse medida y ritmo.

En resumen, es una visión reveladora y devoradora que se ha apropiado ardientemente del ser de la cosas, tal como diría Merleau-Ponty.

      

ROICE 183 (1983) / EL GRAFITI SACA A RELUCIR LA DIMENSIÓN DEL COLOR

Lo posible, en su continuo movimiento, tiende a actuar y a obrar infinitamente en lo real y es una dimensión de lo real. O también es lo real lo que se hace posible y no lo posible lo que se hace real.  

El levantino ROCE 183 hace que sus vertidos cromáticos asimétricos tripliquen la superficie, la hagan más elocuente y se configuren como los parámetros plásticos de unos horizontes cercanos. 

Sus sintonías formales construyen una significación visual que suscita una visión futurista en que el dinamismo es un eje que vertebra al mismo tiempo que permuta.

 Mirar y no ser mirado o mirar sin ser visto.

HUGO SIMBERG (1873-1917) / LA MUERTE ESTÁ TAN CERCA QUE NI SE OCULTA

La subjetividad es infinita y es ella la que se enfrenta sin arredrarse a una verdad desnuda y gélida del arte, aunque haya sido desvelada ya. 

El filandés SIMBERG, en su obra, muestra un espíritu de muerte que le sobrevuela, que le incita a revelar el destino que tan joven le espera.  

En su pintura no aparecen dudas porque son sus espectros habituales los que aparecen, con los que dialoga y crea su historia, la suya, que ya está aconteciendo.  

 No hay proa que taje una nube de ideas.

(Martí)

TILL MEGERLE (1979) / SE CRISPAN

En estas obras aparecen personajes que en pequeños espacios no se encuentran a sí mismos y cuando lo hacen lo único que les preocupa es configurar sus formas y actitudes. 

El alemám Megerle los entiende y configura como la expresión de una naturaleza que ya ha perdido el sentido de sí misma, que se manifiesta en cuerpos idos.  

El que sean grotescos, malformados, odiosos, no hace que ellos no conserven sus propias virtudes plásticas para hechizarnos cual gárgolas habitantes de nuestras moradas.    

El ethos nunca tiene freno. 

ADOLFO ALCAIDE HERVAS (1954) / LA ESCULTURA ES MI FORMA DE SER

La escultura exige tener un pensamiento plástico que desvele las formas, que intuya asimismo la materia y el espacio, hasta llegar a su enigma y su mensaje. 

El madrileño ALCAIDE observa, reflexiona y procesa, hasta que su intuición le revela la ruta que ha de seguir y en la que ha de culminar una obra icónica y rutilante.  

Concebidas como indagaciones, acaban siendo entes poblando sus lugares como soplos de energía abrazando una brisa, esa que ellas misma exhalan.

La legitimidad es más que obediencia y clasificación

 

HELMUT DITSCH (1962) / ENTRE EL CIELO Y LA TIERRA

El caso del argentino DITSCH es una muestra de que todo lo verdaderamente humano no es regalado, no es dote, sino creación y conquista suya, a través del tiempo y el esfuerzo.

Su obra enfatiza un impacto que va más allá del hiperrealismo, incluso nos da a entender que su expresión plástica completa a una naturaleza indómita que nos avasalla con su dimensión.  

Su maestría es manifiesta y evidente, su significación revela un cosmos que lucha por sobrevivir en su realidad milenaria conservándose como un patrimonio visual irrenunciable.  

Cantos lastimeros de monjas que cantaban tras la reja, como si les doliera el estómago, y cantando con la nariz, como brujas.

(Gutiérrez Solana)

SOSSIO (1954) / EL COLOR TRASPASA EL TIEMPO

El artista, con el color, quiere enfrentar su obra a la gran noche absurda del mundo, no para hacerla más ostensible en su nada, sino para conquistar un alma simbólica.

El italiano SOSSIO tiene, en cierta medida, ese proyecto, aunque también amalgamado en un cántico plástico de alabanza y serenidad cromáticas.

Es una producción reflexiva y encaminada a la búsqueda de nuevos agregados, mezclas y acoplamientos, depurando la vía pictórica hasta alcanzar su culminación 

 Los refajos de las mujeres huelen a demonios coronados.

(Gutiérrez Solana)