JOSÉ ANTONIO PERALTA LOZADA (1971) / TIEMPOS DE OTRO MUNDO

Cuando nos encontramos ante unas obras como las del peruano PERALTA, sentimos como esa libertad y autonomía de lo estético depara un cúmulo de posibilidades humanas. 

Su pintura se engalana con la magia de lo pretérito, nos lo acerca desde una dimensión creativa que nos penetra visualmente como un pensamiento esotérico. 

Maestría plástica que nos asombra por la exuberancia de un imaginario en el que sus horizontes no están ni estarán nunca delimitados.   

El devenir es una agonía sin desenlace...

Sólo la ruina del día  nos ayudará a elevar la vida al rango de sueño.

(Cioran)

OSCAR MARTÍN DE BURGOS (1972) / VIDA Y SÍMBOLOS

El esultor MARTÍN DE BURGOS es un pensador de la cultura convencido que de que ésta promueve, como forma artística, una unidad íntima y sin restricciones entre los ciudadanos a partir de su más profunda subjetividad.  

Así, sus obras proyectan un cúmulo de significados y expresivos símbolos, conformados bajo una constelación sucinta de formas compactas que nos remiten a interrogantes, que se remontan a nuestra historia más espiritual y remota.   

Hay génesis y vasta enormidad, concepciones sagradas y conductoras hacia unos territorios de encuentros y silencios, de presentimientos que quedan esculpidos para siempre. 

Es curioso que en cuanto adviertes que los seres son sombras, que todo es inútil, te alejas del mundo para encontrar el único sentido en la conteplación de la nada...

(Cioran)

NURIA VIDAL (1967) / SÉ CONFESARME A TRAVÉS DE MIS PIEZAS

Al contrario que la madrileña VIDAL, el sujeto de lo sublime está consecuentemente descentrado -aunque algo de eso hay también en ella- anegado en la pérdida y el dolor, en la crisis y en desvanecimiento de la realidad. 

Lo que ocurre es que en la obra de esta artista hay un apaciguamiento depurador, un revestimiento cada vez más tenue y al mismo tiempo más deslumbrador.  

Sabe despojar mágicamente, proyectar lo que su espíritu ha escondido, desolcultar en esas superficies etéreas una armonía seductora, desveladora de una añoranza que habla y emociona.    

La timidez es el arma que nos ofrece la naturaleza para defender nuestra soledad.

Morimos y vivimos en un místico noviazgo con la soledad.

(Cioran)

AARON LEVY (1899-1972) / UNA ABSTRACCIÓN SIN CONGOJAS

Sólo en lo estético somos capaces de volver sobre nosotros mismos y retirarnos en alguna medida del lugar que ocupamos y empezar la relación que hay entre nuestra facultades y la realidad.  

Como muchos artistas abstractos de su generación, el americano LEVY confiere ese retorno a su íntima realidad a través de una obra que en lo espontáneo e intuitivo adquiere toda su vivencia.

Las gamas cromáticas caminan en la superficie con toda la voluntad plástica del mundo, con la fuerza del destello y la poesía del sentir.

Incluso las muecas de la agonía no son sino intentos fallidos de reír, que revelan, sin embargo, su natutaleza equívoca.

(Cioran)

 

MARTHA MCKAY (1924-1983) / LOS PRESAGIOS ME DOMINAN

Hacer uso de la imaginación es cavilar sobre una determinada imagen, forma y color, que están suspendidas en algún lugar entre lo percibido y el concepto. 

De esta manera, la americana MCKAY concibe una obra en que la geometría se deja dominar por la estratificación plástica para alumbrar los segmentos que anidan en la superficie.

Y unas gamas cromáticas fuertemente texturizadas imprimen una factura abstracta y prolífica a unas piezas que sobre la desnudez muestran la geología de sus heridas. 

Ningún color aviva el instante eterno y sus horizontes muertos. Y las pasiones lanzan llamas frías sobre ojos apagados.

(Cioran)

RAFAEL MARTÍNEZ PRIMO (1959) / ROSTROS QUE VIVEN DE LA POESÍA

El valenciano MARTÍNEZ PRIMO se exige ser un artista virtuoso cuando se trata de tener la imaginación suficiente y la capacidad de dar un valor sentimental y emocional a las inmensas posibilidades -sin dejarse devorar por ellas- que le confieren su saber y entorno plásticos.

En sus obras, materiales, colores y formas, le impulsan a hallar nuevas soluciones que son al mismo tiempo símbolos y expresiones anidadas en lo más creativo de su concepción estética. 

Y así es como su pintura está cargada de sensibilidad, de poesía, de perfiles poéticos y cromáticos, de elucubraciones de lo pensado y lo intuido, lo evolutivo y lo desgranado tal que la visibilidad detonante de un presagio. 

Si no hubiera amado el dolor, no habría tenido necesidad del infierno, utopia del sufrimiento.

(Cioran)

CATARINA LUCAS (1997) / LA PINTURA ES UN CAMINO SIN FIN

A la abstracción se llegó porque se buscaba hacer un arte cada vez más personal y libre de los acondicionamientos externos -en la medida en que los artistas podían hacerlo- que imposibilitaban la expresión subjetiva. 

La portuguesa LUCAS trazó ese camino y estilo en su obra porque desnudarse en la superficie a través de las venas cromáticas y las texturas es leerse en toda su propia densidad emocional. 

En sus telas las gamas de color pronuncian todo aquello que plástica y creativamente ella tiene por las precupaciones de una descodificación sensorial, que fija la visión en su mismo lecho de vida. 

La voz de la sangre es una elegía ininterrumpida.

(Cioran).